Hanni El Khatib

Alors qu’un froid polaire traverse la rue royale et balaie la surface du Botanique, c’est un vent chaud tout droit venu de Californie qui aura soufflé sur nos têtes hier soir à la rotonde. Un jeans noir, la coupe de cheveux bien propre et gominée, des bottines façon santiag, des tatouages partout sur le haut du corps, Hanni El Khatib ne fait pas dans le détail. Et sa musique non plus.

C’est son unique compagnon de scène (et batteur accessoirement) Nicky Fleming-Yaryan qui aura prononcé les premiers mots de cette « première fois à Bruxelles ». Et des échanges il n’y en aura finalement que très peu. Mais qu’importe, l’essentiel était là : une musique un peu crasseuse, à deux accords et un martelage de fûts juste comme il faut pour donner envie de bousculer son voisin, le tout enrobé d’une voix qui va bien.

Le temps de parcourir une grosse partie de Will the Guns Come Out sorti en 2011 (Loved One, Fuck It. You Win.,) ainsi que quelques covers (Human Fly des Cramps ou l’Heartbreak Hotel d’Elvis Presley – voir vidéo parisienne plus bas), le palestino-philippin d’origine déroule sans discontinuer pendant une bonne heure. Il faudra un accordage de guitare pour qu’on puisse reprendre sa respiration…

Avec cette prestation ramassée mais plutôt efficace, le skateur de renom (enfin de ce que j’ai lu), Hanni El Khatib nous aura fait voyager sur une sorte de route 66, là où on aimerait être en décapotable, les cheveux au vent et la musique à fond. Et même si ça n’était pas le concert du siècle, c’est déjà ça!

Justin Vernon

Après une longue période d’arrêt, me revoici à l’oeuvre pour une petite chronique du concert de Bon Iver, hier soir à l’Ancienne Belgique.

C’est principalement cette critique négative qui m’a donné envie de m’y mettre. Je partage une partie du point de vue mais suis assez radicalement opposé au reste. Le tout sur fond de subjectivité, comme il est de coutûme pour toute critique bloguesque.

Ma principale impression, qui est celle que j’avais à l’écoute de son 2e album est qu’il a clairement subit une mutation. Cette impression s’est même nettement renforcée en concert. Sachant pertinamment qu’une mutation est à double tranchant, on peut donc se demander si la chenille a pu muter vers un magnifique papillon…ou pas.

Eléments de réponse donc avec le passage d’une configuration à 3 à une formation de 9 personnes : cuivres, guitares, deux batteries, violon, human beatbox, etc. Exit donc les trois accords sur une vieille guitare pouilleuse, la voix larmoyante et les deux acolytes qui tapottent gentillement sur leurs instruments. On a maintenant une floppée de musiciens de haut vol qui donnent une puissance et une chaleur nouvelle au groupe de Justin Vernon.

La grosse majorité des titres de Bon Iver y passent, sublimés par le live et un public bouillonnant au moindre bruissement de cheveux de Justin. Même les altérations de la voix passent très bien en live. Pour le reste, les arrangements sont judicieux et bien exécutés, alternant modes solos (performance de saxe totalement survoltée, un beau passage éthéré au violon voire carrément un court extrait de human beatbox), moments d’apaisement musical où les musiciens semblent reprendre leur souffre et envolées orchestrales qui vous font tomber ce qui vous reste de cheveux hahaha ; le tout sous la coupe de la voix de Justin qui a pris pas mal d’assurance depuis 2008.
J’insiste : autant j’aime assez bien l’album autant le live m’aura plus que convaincu quant à sa dernière galette.

Grosses fausses notes sur Beth/Rest, la chanson qui faisait déjà tache sur album (et oui, la référence de Phil Collins m’était tout de suite venue lors de sa première écoute) et sur la reprise de Björk (Who Is It). Tant qu’on est dans le négatif, mentionnons également les trois chansons de For Emma, Forever Ago qui ont été jouées à la nouvelle sauce. Exemple sur Skinny Love en rappel, où tout le groupe se rejoins autour de Justin, clappant des mains quasi façon Gospel (j’exagère sans doute mais c’est comme ça que je l’ai ressenti). Essayez de faire rentrer un papillon dans un cocon, ca va pas le faire ! On ne peut pas lui en vouloir de rejouer les anciennes chansons qui ont fait son succès mais on peut lui reprocher de vouloir absolument les faire évoluer, quitte à ce qu’elles perdent de leur charme. Le choix est pour moi “simple” (attention, je n’ose pas prétendre pouvoir faire mieux !), soit se contenter de reproduire ces chansons comme elles ont été composées quitte à perdre un peu de cohérence lors du concert (cfr les chansons solo dépouillées que fait Julia Stone en plein milieu d’un concert d’Angus & Julia Stone) ou alors complètement les retravailler pour les emmener dans une autre dimension (comme Notwist & the Andromeda Mega Express Orchestra ou José Gonzalez & The Göteborg String Theory).

En conclusion, je peux dire que la chenille s’est bel et bien muée en un papillon paré de multiples couleurs chatoyantes. On espère toutefois que la comparaison s’arrête là et que ce ne sera pas éphémère.

Setlist :

Perth
Minnesota, WI
Holocene
Blood Bank
Flume
Hinnom, TX
Wash.
Towers
Creature Fear
Re : Stacks
Who Is It ? (Björk cover)
Calgary
Lisbon, OH
Beth/Rest
The Wolves (Act I and II)

Rappel :
Skinny Love
For Emma

Je souhaiterais faire des posts préliminaires à certains concerts clés pour éventuellement vous donner envie d’y aller mais faut voir si je vais avoir le temps pour cela.

Si vous avez des suggestions, je suis bien entendu ouvert!

Le programme des Feeërieën 2011 est à présent connu. Ce petit festival gratuit, dans un cadre idyllique (le kiosque au milieu du parc royal) vaut son pesant en cacahuettes. J’ai déjà pu y voir Jacaszek, Efterklang, William Fitzsimmons, Isbells (voir ma review) ou encore The Irrepressibles.

Cette année, ce sera:

22/08: Vladislav Delay Quartet + Deaf Center
23/08: Timber Timbre + Murder
24/08: Hannah Peel + Birds That Change Colour
25/08: Imany + Sarah Ferri + Awesome Tapes From Africa
26/08: Raime + Psychologist + Demdike Stare

On retrouve des les Timber Timbre qui sont passés il y a peu à l’AB Club (un assez bon concert) avec leur folk countriesque. Si j’en crois de sages conseils, deux autres soirées valent le détour: la soirée du 22 qui lorgnera du côté du free jazz noisy (Vladislav Delay Quartet) et du drône ambient (Deaf Center) ainsi que Demdike Stare qui mèlent dark-ambient, techno, dub, drone et musique expérimentale. Bref, un programme toujours aussi alléchant!

L’album fait suite, deux ans après, au très mitigé March Of The Zapotec / Real People EP et a été écrit par Zach Condon durant l’hiver enneigé que vient de connaître New York. A ce propos, Zach explique qu’il faut s’attendre à des titres ensoleillés. “J’écris des chansons tristes lorsqu’il fait beau dehors. J’écris des chansons joyeuses et chaleureuses quand je suis pris dans la neige jusqu’au cou pendant trois mois.” Pour cet album produit sur son propre label Pompeii Record, Zach a invité Heather Trost (chanteuse et violoniste, membre du groupe A Hawk and a Hacksaw et ayant déjà participé au premier album de Beirut, Gulag Orkestar ) ainsi que Sharon Van Etten (chanteuse guitariste hautement recommandable qui au passage n’en est pas à sa première collaboration : on aura pu entendre sa douce voix sur le titre Thirteen de The Antlers, ainsi que sur Think You Can Wait de The National).

Et qui dit nouvel album dit tournée. Vous pourrez donc les voir aux dates suivantes :

03/07 : Open Air (Gallen)
12/07 : Les Suds (Arles)
18/07 : Les Nuits de Fourvière (Lyon)
20/07 : Paleo Festival (Nyon)
12/09 : Olympia (Paris)
14/09 : Ancienne Belgique (Bruxelles)

A l’écoute, East Harlem:

Et Goshen:

Tyler The Creator

Dans la toute petite salle de La Chocolaterie, il fallait être courageux pour suivre de manière décente le spectacle. La scène juchée à un petit 20cm de hauteur, seuls les premiers rangs pouvaient voir les artistes se démener. Et de démenage il fût question !

Une bonne demi-heure après l’heure prévue, OFWGKTA débarque sur un gros son qui met le feu à un public déjà bouillantissime rien qu’avec le mini DJ-set qui précédait. Hodgy Beats et Tyler the Creator, régulièrement secondés par Left Brain, mènent la danse, micro en main. Derrière les platines, on retrouve le très jeune et frêle Syd tha Kyd. Hodgy Beats et Tyler crachent de l’énergie dans le micro sans hésiter une seconde à se jeter dans le public pour pratiquer le crowd surfing ou tout simplement pour chanter au milieu des gens venus les voir. Et quand ils ne chantent pas, c’est pour s’exciter sur une tête de mannequin (allant jusqu’à sauter dessus avec hargne sur la chanson Fuck The Police). Cette débauche d’énergie est évidemment communicative et le public s’en donne à coeur joie, montant sur scène, sautant, étreignant les artistes, gueulant dans le micro (il y avait apparemment ce soir un noyau de fans connaissant une bonne partie des paroles).

On aura vu des filles commencer le concert tout devant et le terminer sur le côté, le teint blafard, on aura vu des mecs sortir de la salle dégoulinants de sueur, … seul dénominateur commun : un sourire de contentement ! Belle expérience partiellement gâchée par la durée anormalement courte du concert (30 min !!!).

Hâte de revoir ça en festival!

Le documentaire fût un exercice à double tranchant. D’une part, il nous fait rentrer dans le monde de José afin de nous pré chauffer pour le concert mais à côté de ça, on déflore pas mal le suspense du concert qui va suivre. En effet, on a droit pendant ces 74’ aux principaux morceaux de l’artiste et surtout à de larges extraits de live. En outre, on aura eu droit à quelques événements marquants de sa vie, sous forme de dessins animés et à de longs monologues où José parle de ses questionnements existentiels, de pensées qui occupent son esprit (et apparemment ces pensées sont légion !). C’était calme, reposant (voir berçant) et intéressant à la fois.

Après ce film de plus d’une heure, la suite n’allait pas être évidente.

Seule au milieu de cette énorme scène, la chanteuse et compositrice canadienne Laurel Sprengelmeyer aka Little Scream devra s’accrocher pour pouvoir s’imposer. Et malgré la présence d’un loop, d’un petit clavier cheap duquel émane un son plutôt intéressant, Little Scream a du mal à nous emporter. Elle se rate sur un début de chanson, son ampli se déconnecte en pleine exécution, le tout accompagné de petits rires crispés. Non pas qu’il n’y ait absolument rien à prendre mais ça ne semble décidément pas être son jour. Au final, on aura apprécié la prestation one women show (bien involontaire) plutôt que sa musique. Gageons que sur album ce soit différent car quand on enregistre dans le studio de The National, avec la collaboration de membres de A Silver Mount Zion ou Arcade Fire, ça doit nécessairement avoir quelques qualités.

Vient alors le plat de résistance : Jóse González & The Göteborg String Theory. Et grâce (à cause ?) au film, on est tout de suite baigné dans un sentiment de familiarité. La voix chaleureuse de José et sa guitare nous caresseront les tympans durant tout le concert. Quand en plus de cela, il s’affuble de quelques 20 musicos et d’un chef d’orchestre de talent, ça ne peut qu’être exceptionnel.

Dans une ambiance scénique particulièrement soignée, José et l’orchestre nous feront faire le tour de l’horloge, alternant des compositions douces et mélancoliques à la lumière d’une multitude d’ampoules s’étalant au dessus des artistes tel un ciel de nuit complètement dégagé avec d’autres morceaux plus enthousiastes, où quatre spots baigneront la scène comme autant de soleils.

Mention spéciale au chef d’orchestre qui a composé tous les arrangements de The Göteborg String Theory pour les adapter au répertoire de Jóse González. Autant certains de ses semblables donnent l’impression de battre inutilement l’air, autant ce dernier est venu accrocher nos tripes à ses mains et a joué avec durant tout le concert. De belles montagnes russes d’intensité sur Cycling Trivialities ou sur Abram, une introduction remarquable sur How Low et sur Broken Arrow, un accompagnement de qualité sur la magnifique reprise de Teardrop… on aura fait le grand 8 sans bouger de sa chaise et sans être déplacé. Et même quand il joue In Our Nature en solo, Jóse González fait mouche et montre à Laurel Sprengelmeyer qu’ils ne jouent définitivement pas dans la même catégorie.

On sait que beaucoup d’artistes trouvent une source d’inspiration dans les tourments de leur vie, que ce soit des déceptions amoureuses (Bon Iver, Noah & The Whale pour n’en citer que deux), d’une condition de vie difficile (un handicap pour Vic Chesnutt) voire d’une tragédie dans le cas de The Antlers (la mort d’un proche des suites d’un cancer).

Lorsqu’un album est entièrement centré sur un évènement comme c’était le cas pour Hospice, premier effort de The Antlers sorti en 2009 – et au demeurant très réussi, on peut se demander s’il s’agit d’un concours de circonstances ou de l’avènement d’un vrai artiste dans le paysage musical.

C’est donc avec beaucoup de curiosité et d’interrogations qu’on aborde ce deuxième opus, sorti le 10 mai.

Assez vite on se rend compte que Peter Silberman et son groupe ont exploré la voie plus légère et lumineuse qu’on avait déjà pu effleurer sur Hospice (je pense à la chanson Bear ou dans une moindre mesure Two). Mais attention, ça n’en fait pas pour autant un album joyeux.

A l’image de la pochette qui laisse présumer qu’on est plongé dans le noir mais en face d’une lueur montrant une voie de sortie, ce 2e album donne l’impression qu’on a fini de lutter avec des sentiments sombres et que la porte vers le monde s’est enfin ouverte, pour laisser entrer la lumière. Et même si on s’éloigne des chansons tout en tension, on retrouve les ingrédients du groupe tels qu’une voix bourrée d’émotions et des arrangements qui donnent de la profondeur aux chansons et une homogénéité à l’album.

Belle réussite.

Commençons par le commencement, c’est-à-dire Dan Deacon pour moi. Je n’ai en effet pas pu voir Oneohtrix Point Never qui passait juste avant pour faute d’organisation. Pas de réelle surprise ici, Dan Deacon est fidèle à ce que j’en avais vu auparavant (compte-rendu). Petites différences par rapport à sa prestation de l’Orangerie : il joue seul et se trouve directement dans le public, juste devant la scène. La proximité avec le public a du bon mais empêche 75% des personnes de voir quoi que ce soit. Seule solution : s’avancer le plus près possible et participer aux festivités. Ces dernières furent relativement limitées, sans doute dû à un set assez court. On aura juste eu droit à une dance battle (on libère un grand cercle au milieu du public pour faire “s’affronter” des danseurs pris au hasard parmi les spectateurs). Pour le reste, ce fut bon enfant, une petite partie du public s’adonnant à quelques pogos et à du crowd surfing.

Vient alors Battles, qui clôture cette toute dernière édition du Domino Festival.

La disposition scénique ne change pas des masses par rapport à ce que l’on a pu voir lors des précédentes tournées, à l’exception de l’absence de Tyondaï bien évidemment. Le batteur John Stanier occupe toujours une position centrale sur scène. De part et d’autre, on retrouve le guitariste/claviériste Ian Williams (avec des allures de John Stargasm) et le guitariste/bassiste Dave Konopka. D’entrée de jeu, on sent qu’ils se cherchent. Longue introduction musicale qui ne mène pas large, Ian chipote beaucoup sur ses portables et ses claviers pour, au final, pas grand chose ; Dave de son côté passe son temps accroupi comme s’il essayait de trouver le bon son que Battles a perdu. Et ça résume déjà bien l’entièreté du concert que j’ai vécu comme une sorte de patchwork d’une multitude de petits bouts de musique, sans grande cohérence et avec un manque d’implication évident du groupe, à l’exception du batteur qui reste comme toujours impeccable.

Battles a fait son deuil de Tyondaï et ne jouera aucun ancien morceau, préférant nous dérouler l’entièreté de l’album Gloss Drop (à paraitre le 6 juin).

Que dire des nouveaux morceaux ? C’est certainement plus pop, avec des pointes d’influence world music/ethnic comme nous proposent Gang Gang Dance ou Yeasayer mais formant en live une bouillie plutôt indigeste (à l’image de la pochette de leur album). Oubliez les grosses guitares math rock bien carrées, cela fait semble-t-il partie du passé.

Terminons sur une note positive, la présence de deux écrans qui font intervenir via vidéo trois des chanteurs participant à l’album (Matias Aguayo, Kazu Makino et Gary Numan). Oh et puis non, même pas envie de rester là dessus, car même ici, et malgré un début qui tournait bien, les vidéos se sont peu à peu désynchronisées du son. Je suis peut-être dur mais nous faire payer une vingtaine d’euros pour être des cobayes, je trouve que c’est se moquer de son public. Bref, je pense que vous avez ma réponse à la question posée en début de CR !